Poniendo un poco de orden

De vez en cuando hay que mirar atrás, ver lo que uno ha escrito y tener en cuenta si ha añadido claridad o confusión en quienes leen. Vaya por delante que, en fotografía, lo que manda es el proyecto. A él se supedita todo lo demás.

No es que podamos cambiar de estilo con cada diferente proyecto porque nuestra manera de ver el mundo siempre predomina, así como todo ese acúmulo de experiencias visuales y admiraciones que hemos ido atesorando a lo largo de los años. Eso no lo podemos cambiar fácilmente pero sí podemos dar un sesgo, una señal diferente, a cada proyecto que acometemos.

No hace falta que diga nada sobre las diferencias entre el GF y la fotografía en 35. Se sobrentiende que en GF se trabaja con otras premisas. Yo lo veo como si el 35 fuera el bosquejo rápido -el boceto- y el GF el cuadro de taller, maduro y bien pensado. En un lado interviene sobre todo la espontaneidad y en el otro lo bien planeado, lo que está pensado en todos sus detalles. En el GF el estilo no sólo es repetitivo sino que se agradece que lo sea pues el interés no está tanto en cómo se ha tomado sino en quien habita en la foto, o lo que habita.

Me refiero, hecha esa salvedad, a la fotografía en 35 y trato de poner orden en unos cuantos conceptos que creo que pueden ser de utilidad a los demás. Si no lo fueran no habéis perdido más que el rato de leerme.

-Si trabajas con cámaras clásicas (por clásicas me refiero a las de rosca y a las M sin fotómetro interno) pero sobre todo con objetivos antiguos, debes saber que su mejor resultado lo dan con películas de 100 o 125 ISO y la luz de la mañana. No tiene nada de especial lo que digo pues los fotógrafos de aquellos tiempos trabajaban con ese tipo de emulsiones. Las películas de 400 ISO son relativamente modernas en comparación con las otras.

-Hay actualmente dos películas especialmente recomendables para esa sensibilidad: la Agfa APX 100 y la Ilford FP4+. Ambas son emulsiones de tipo clásico, es decir, de grano cúbico y no tabular. Los resultados con las lentes antiguas son deliciosos, algo por completo inimitable por medios digitales.

-Es buena cosa trabajar con dos cuerpos o al menos llevar uno de reserva en la bolsa. Bien porque podemos cargar uno con 100-125 ISO y el otro con 400 ISO, bien porque podemos montar dos objetivos diferentes.

-La combinación de objetivos del reportero o fotógrafo documentalista clásico era 35, 50 y 90. En mi caso prefiero utilizar sólo el 35 y el 50 y, en bastantes casos, sustituyo el 35 por un 28. El 90 no lo uso jamás pues no me gusta fotografiar de lejos y, si quiero tomar un retrato posado, prefiero usar el 50 y darle un poco más de aire, un poco más de información sobre lo que rodea al personaje.

-No da buen resultado cargar una cámara con blanco y negro y la otra con color. No sólo no es lo mismo fotografiar con una y otra película sino que nuestra mente no es capaz de responder en la misma sesión con diferentes maneras de ver y pensar. El color se ve de una manera y el blanco y negro de otra, lo que sobresale en una técnica puede no decir nada en la otra. Por ello, cuando vayas a trabajar en blanco y negro olvídate del color y monta en tu mente el chip monocromo. Y viceversa.

-Si has de trabajar casi a oscuras o con muy poca luz suele ser mejor utilizar una película con una sensibilidad nominal muy alta antes que forzar otra de sensibilidad más baja. No obstante, si te empeñas en forzar (que no es otra cosa que subexponer y luego tratar de compensar la subexposición con sobrerrevelado) utiliza una película de grano tabular. Sí, ya sé que soy enemigo declarado de estas películas pero he de reconocer que son muy buenas para forzados. Actualmente, las TMax de Kodak tienen un grano finísimo y con el revelador adecuado pueden obtenerse 3 pasos de exposición completos con bastante facilidad y buen aspecto.

-Aunque respeto todas las opciones, en mi caso no merece la pena hacer color salvo en digital. Pero si quieres revelar tu propia película en color has de saber que no tiene el menor misterio y que todo el asunto se reduce a mantener el revelador a 38 grados centígrados los pocos minutos que dura el revelado. Los resultados, si eres cuidadoso y sistemático, pueden ser muy consistentes e idénticos de un rollo a otro.

-Si trabajas en digital, no cocines las fotos. Los efectos sorprenden tanto como cansan. Recuerda que, si bien eres único en tu manera de hacer la toma, lo digital es repetitivo y todo el mundo termina por saber hacer las mismas cosas. Son trucos de temporada y con la temporada se van.

-Actúa en digital como si el material fuese analógico: revela el negativo sin alterarlo lo más mínimo y trata el ordenador como si fuera la ampliadora. Basta con que hagas unas cuantas reservas y quemados, leves y con sentido, los justos para evocar lo que viste en la realidad, para que la foto incremente su interés si lo tiene. Si no lo tiene, o tiene poco, no vas a lograr dárselo con cocina. Una foto irrelevante pero que está mucho y bien cocinada puede admirar al ignorante pero nunca al sabio.

-Tienes esas dos vías: la directa, la clásica, o tomar el atajo de la cocina. Lograr la foto que se defiende por sí misma, sin añadidos, o tratar de tapar tu falta de sinceridad fotográfica a base de efectos. El segundo camino te granjeará pronto el aplauso de los necios pero no te lleva a ningún sitio ni te hace avanzar.

-La fotografía, como cualquier otro arte, es un camino de superación personal, no de éxito social. Ya lo dijo el poeta y hay que seguirlo repitiendo: Todo necio confunde valor y precio.

Y ya, que me canso de repetir cosas harto sabidas pero que hay que seguir machacando para que, al menos en los que empiezan, queden bien marcadas.