Eggleston y el color

En mi opinión, cuando tratamos el tema del color o el "blanco y negro" habría que diferenciar si nos referimos a fotografía digital o analógica.

Además de los obvios parámetros adicionales que comporta el color, su paupérrima latitud en analógico dificultaba enormemente conseguir una exposición correcta. El ejemplo más extremo era el Kodachrome 25, que proporcionaba una calidad sin igual, pero que un error de 1/2 diafragma destrozaba el resultado, y sin ninguna posibilidad de arreglo. Con todo el postproceso que permite la fotografía digital este problema ha prácticamente desaparecido.

De todos modos, sea digital o analógica, opino que es más fácil obtener un resultado llamativo en b/n que en color.

Eggleston nos recuerda a todo fotógrafo que somos una creación cultural, y que podemos escoger. Eggleston es un fotógrafo de la postmodernidad, y como postmoderno "utiliza" el color, su aporte es la "reconsideración del color en el mundo".

Es decir, utiliza el color para una adquisición de la conciencia, del fotógrafo, de su etapa estético-informativo.-cultural. El fotógrafo debe reflejar su tiempo y no copiar tiempos pasados de la mística fotografica.

Durante años se había considerado que la fotografía artística debía ser monocromática y que “La película blanco y negro significaba «arte», especialmente según los dictados del grupo F.64.”

Pero quienes eran el grupo F.64

(los padres de la mística fotográfica)

De la Wiki
es.wikipedia.org/wiki/Grupo_f/64

Grupo f/64



El Grupo f/64 fue una asociación fotográfica que se fundó en California en 1932 bajo la influencia de Paul Strand. Ansel Adams, Edward Weston, Imogen Cunningham, Willard Van Dyke, Henry Swift y Sonya Noskowiak fueron algunos de sus miembros más destacados.
Su primera exposición se realizó en el M. H. de Young Memorial Museum de San Francisco el 15 de noviembre de 1932,1 en la que junto a los siete miembros declarados del grupo expusieron los fotógrafos Preston Holder, Alma Lavenson, Consuelo Kanaga y Brett Weston.2

Propuesta estética

f/64 promovía la práctica de la fotografía pura, sin intervenciones, en oposición al pictorialismo. La propuesta de f64 para la fotografía artística está sintetizada en el propio nombre del grupo: el diafragma más cerrado de la mayoría de los objetivos fotográficos de las cámaras de gran formato que utilizaban los integrantes de este grupo, que da como resultado una imagen de máxima nitidez.

Al respecto, Edward Weston diría:
Deseo presentar la belleza pura que un objetivo puede reproducir con toda exactitud, sin interferencia del "efecto artístico".3

Los movimientos de fotografía pura se oponían tanto a las contradicciones del pictorialismo, como a la experimentación que realizaban las vanguardias con la fotografía. Los artistas de f64 creían que la creación fotografía debía limitarse a los medios estrictamente fotográficos concebidos dentro de los parámetros del realismo; desacreditando toda mixtura de técnicas que cuestionara la "pureza" de la obra fotográfica.

Se esforzaron por desarrollar procedimientos fotográficos innovadores, siendo el más importante el sistema zonal desarrollado por Ansel Adams.
Partidarios de la fotografía directa, es decir, no manipulada, sus fotografías más importantes se caracterizan por su gran profundidad de campo, su realismo, la composición, y el control de las zonas.

Los antecedentes de f/64 se encuentran en la última etapa del grupo Photo Secession, por la reflexiones que introdujera Alfred Stieglitz a través de la revista Camera Work; y claramente en la obra fotográfica y en las ideas de Paul Strand sobre la fotografía artística.
En Alemania surgió simultáneamente un movimiento con algunas características similares llamado Nueva objetividad. El grupo se deshizo en 1935.

Manifiesto

En su manifiesto, los integrantes de f/64 explicaban la relación entre el nombre y la estética que proponían, así como su modo de funcionamiento y expectativas respecto de su función en el medio cultural de la costa Oeste de Estados Unidos, y el resto del país.
El nombre de este grupo se deriva del número de diafragma de un lente fotográfico.

Significa ampliar las calidades de claridad y definición de la imagen fotográfica, lo cual es un elemento importante en la obra de los miembros de este Grupo.

El objetivo principal del grupo es presentar muestras con frecuencia que se consideran lo mejor de la fotografía contemporánea del Oeste; y en suma a la exhibición de la obra de sus miembros, incluirá obra de otros fotógrafos que evidencien tendencias similares a las de este Grupo.

El grupo f/64 no pretende cubrir el espectro completo de la fotografía o indicar a través de su selección de miembros alguna opinión despectiva respecto de aquellos fotógrafos que no están incluidas en sus muestras. Hay una gran cantidad de trabajadores serios en la fotografía, cuyo estilo y técnica no están relacionados a los objetivos de este Grupo.
f/64 limita sus miembros y autores invitados a aquellos trabajadores que están pujando por definir la fotografía como una forma artística por la simple y directa presentación, usando puramente métodos fotográficos. El grupo no mostrará en ningún momento obras que no se atengan a la fotografía pura. La fotografía pura es definida como aquella que no posee características técnicas, compositivas o ideas, derivadas de alguna otra forma artística. La producción de los pictorialistas, por otro lado, indica una devoción a ciertos principios artísticos que están directamente relacionados con la pintura y las artes gráficas.

Los miembros de f/64 creemos que la fotografía, como una forma artística, debe desarrollarse sobre líneas definidas por las características y limitaciones del medio fotográfico, y debe siempre mantenerse independiente de convenciones ideológicas de arte y estética que son reminiscencias de períodos históricos y culturas que antecedieron al desarrollo del medio en sí mismo.

El grupo agradecerá información relacionada con cualquier obra fotográfica seria que haya escapado a su atención, y se inclina a establecerse a sí mismo como un Foro de Fotografía Moderna.4

Bruno escribió: Pues yo sigo viendo el color analógico por encima del digital, aunque suene manido, es mucho más orgánico y a la vez artístico.

Este hilo no trata de eso. Trata de sí el color es una parte esencial de una obra y de si da un significado o de sí es irrelevante.

Alfonso Lazo escribió: ....Para mi sus fotos monocromáticas siguen teniendo la misma fuerza y la ausencia de color ni les resta ni les añade nada sustancial... siguen transmitiendo lo mismo.

Creo que Eggleston no opinaría lo mismo. Entiendo que para él el color aporta significado y además, fundamental. Pienso lo mismo (y mi avatar creo que también).

Una vez Cartier- Bresson, que Eggleston admiraba, le dijo en una reunión: “William, el color es una mierda.”[56]

Así que los padres del misticismo fotográfico despreciaban el color por considerarlo vulgar y de aficionados. Como es logico Eggleston no le hizo ni puñetero caso. él era un visionario, Cartier el pasado.

Los prejuicios y el desprecio del color venian de lejos, ya en 1959 Walker Evans había calificado la fotografía policromática como “vulgar”[54], aunque este autor clásico experimentaría con el color mediante una Polaroid SX-70 en los últimos años de su vida.

William explica que Cartier-Bresson “No entendía mi trabajo en color. Me decía algo así como «¿No se te hace ridículo?» Si esto fuera cierto, entonces tal vez he desperdiciado mi tiempo de forma espantosa durante años.”[57]

Pero Eggleston no estaba interesado en trabajar para el contentillo ajeno: “…sus imágenes mostraban un cariño por la realización de las fotografías que no estaba en sintonía ni con el ambiente de crítica del momento ni con la tradición de la fotografía artística en blanco y negro.”[58]

Sí, tal vez “…algunos creían que el blanco y negro confería una nostalgia instantánea a las fotografías.”[59]

Pero Eggleston deseaba hablar del presente, del hoy y veía el color como el tratamiento más claro para presentar lo que tenía frente a sí.

Hilde van Gelder y Helen Westgeest explican que Eggleston introdujo el color no tanto con un afán pictorialista como para “escapar del sobrevalorado legado de la fotografía documental.”[60]

Aunque hoy parezca lo contrario, durante años se consideró que la evidencia más cercana a la realidad era la fotografía en blanco y negro, pues se le asociaba con las ideas de veracidad y objetividad con las que se había mitificado el foto-reportaje al estilo Life y Look.

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Hilde y Helen calificaban como: "sobrevalorado legado de la fotografía documental." A eso le llamo: la mística fotográfica.

La "maquina" debe adaptarse a lo que quiere expresar el artista, no al revés, que mas da la materia lo importante es el espíritu. El fotógrafo no debe de debatir de si pincel o las manos, lo que le importa al artista es lo que se adapta a lo que quiere expresar.

Ahora bien si uno quiere trabajar con el conventillo ajeno, pues nada que las copias se parezcan a este o a otro gran fotógrafo….. O ser uno mismo

Bruno escribió:

maccaco escribió:

Bruno escribió: Pues yo sigo viendo el color analógico por encima del digital, aunque suene manido, es mucho más orgánico y a la vez artístico.

Este hilo no trata de eso. Trata de sí el color es una parte esencial de una obra y de si da un significado o de sí es irrelevante.

Alfonso Lazo escribió: ....Para mi sus fotos monocromáticas siguen teniendo la misma fuerza y la ausencia de color ni les resta ni les añade nada sustancial... siguen transmitiendo lo mismo.

Creo que Eggleston no opinaría lo mismo. Entiendo que para él el color aporta significado y además, fundamental. Pienso lo mismo (y mi avatar creo que también).

Pero hombre David, no creo que Eggleston use muchas digitales no? tanto que te gusta, te gusta por su manera de usar ale color y amigo mío, está casi todo en película. Pa una vez que estoy contigo en algo, en cuanto a la importancia del color... A mi también me gusta ser talibán con la película, al igual que a ti con este tipo...

Como dije otras veces Bruno, lo de digital o analógico no me preocupa en absoluto. Me gusta más el color que el ByN (forma parte de mi forma de ver fotografía).

Me gusta Eggleston, entre otras cosas, por su rebeldía ante la crítica del momento sin desfallecer, por su visión, y por su estilo para hacer fotos. Me gustan muchísimos más fotógrafos (por lo tanto lo de talibán sobra) e incluyo a una gran parte de fotógrafos que trabajan en ByN en la casi totalidad de su trabajo, entre otros Winogrand, Koudelka, o Erwitt. Si uso digital es por propia comodidad, que nada tiene que ver con el hecho de que me guste el color.

Daniel escribió: La "maquina" debe adaptarse a lo que quiere expresar el artista, no al revés, que mas da la materia lo importante es el espíritu. El fotógrafo no debe de debatir de si pincel o las manos, lo que le importa al artista es lo que se adapta a lo que quiere expresar.

Ahora bien si uno quiere trabajar con el conventillo ajeno, pues nada que las copias se parezcan a este o a otro gran fotógrafo….. O ser uno mismo

Mira por experiencia personal de un viejo aficionado: cuando sabes lo que realmente quieres hacer se disipan esas cosas de la obsesión de las maquinas y los procesos técnicos. Si alguien se lía con eso y no sabe que maquina tener es que no sabe aun lo que quiere hacer.

salut

Una buena parte de su enseñanza gira en torno a los significados: “Una fotografía es estática, mientras que el mundo es un fluir constante en el tiempo. Cuando ese flujo se interrumpe pulsando un obturador, se delinea un nuevo significado, un significado fotográfico.”[77] "S. Shore"

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Cuando el cerebro del observador identifica los sujetos los etiqueta y en lugar de observar las formas, los valores tonales o las interrelaciones espaciales de cada forma en el cuadro, la da por hecho y la descarta. Le coloca una etiqueta que dice “árbol, persona, coche, cielo” y se ocupa de cualquier otra cosa, menos la fotografía.

Es necesario crear una estrategia para observar y cuestionar estas fotografías quitándole el componente de familiaridad. Para hacerlo se emplean a continuación dos tácticas: primero, sustraer el color de las imágenes y, segundo, abstraer las formas creando equivalentes menos icónicos y alterando los colores y tonos. Al cotejar estas imágenes primero hay que comparar la colorida con la monocromática donde cabría preguntar ¿Qué gana o qué pierde la imagen? ¿Qué agrega el color? ¿Por qué Eggleston decidió que esta imagen funcionaría en color? ¿Qué se mantiene en la fotografía aún cuando se elimina el color? ¿Qué sostiene a la imagen más allá del color? En segundo lugar, vale la pena observar las abstracciones de formas para comprender mejor la estructura que subyace y luego retornar a la imagen original.